书籍介绍
迈克尔·弗雷德以此书修改了我们对18世纪下半叶法国绘画与批评的理解。他在细读1753-1781年间的画作与评论的基础上提出：那个时代的绘画有意识地描绘专注于行动的人物，建立画外观众不存在的虚构，由此克服“剧场性”，从而取得令人信服的画面效果。弗雷德以自己的博学，出入当时的艺术批评、哲学和文学，为我们透视洛可可艺术及反洛可可潮流提供了全新的视角，并重新发现了狄德罗绘画批评的独特价值，也把艺术自主性问题大大推进到18世纪60年代。此书获得美国18世纪研究学会所颁发的路易斯·戈特沙尔克奖，在艺术史学界乃至文学批评、文化史和美学等领域内都具有重要影响，已经成为研究现代艺术起源的不可绕过的名著。
作者简介：迈克尔·弗雷德（Michael Fried,1939- ），杰出的批评家、艺术史家，美国霍普金斯大学人文学科波恩讲席教授。20世纪60年代，他凭借对极简艺术的深刻批判奠定其优秀批评家的地位（其批评文章集结为《艺术与物性：论文与评论集》）；70年代后，他转入艺术史研究，著述丰富，其中《专注性与剧场性：狄德罗时代的绘画与观众》《库尔贝的写实主义》《马奈的现代主义》构成了“现代主义前史”三部曲；并在最近十几年重返当代艺术批评，直面影像艺术的最新现象。其批评和艺术史研究不仅在艺术学界广受关注，并且也为哲学、美学、思想史等领域内的学者所重视，甚至还反哺当代的艺术实践（著名摄影师杰夫·沃尔就深受启发），被公认为美国最具影响力的在世批评家、艺术史家之一。
译者简介：张晓剑（1977- ），温州大学美术与设计学院副教授，浙江大学博士，主要从事中西艺术史和西...
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用户评论
提出用专注性（Absorption）和剧场性(Theatrical ity)、绘画与观者的关系（忽略观者和将观者内化于绘画内部）来理解法国18世纪中期绘画的演变，并将其扩展至现代绘画的开端，是对传统艺术史分期的又一次更新和挑战，像布列逊的新艺术史三部曲一样有很大的启发。
开始为了方便区分的风格分期、历史分期等术语，到后来会成为一种桎梏，必须警惕。风格的迭代是一种为了淹没、更新、超越另一种，所有的风格都没有明确的边界，正如物品和人一样，这种模糊的边界和交叠的现象恰是艺术作品的魅力所在。
狄德罗可作为戏剧与绘画在现实主义阶段、在人类知觉层面相扭结的典型案例。
他认为一旦艺术家意识到观众的存在，他的专注就会打折，剧场性就会产生。绘画或者是一个舞台场面的人物要不去关注观众，要当观众不存在。这在实践中意味着被再现的人物显得完全沉浸在或者正如我常说的那样，专注于他们的行动、情感和心智状态当中。如此专注的人物会被感到，除了他们自己所专注的事物以外，忘怀一切，包括站在画外的观众。假如艺术家在这个事情当中失败，假如画中的一个或者更多的人物，像是仅仅想要引起人们的震惊，或者以一种有意引起观众注意的态度加以表演，那么其结果是可怕的。不仅人物本身看起来显得做作，而且作为一个整体的画作，从这样的一个角度看也会被认为是一种失败。
第一章思路有启发
弗雷德将狄德罗的绘画艺术观念区分为戏剧式观念（再现完全专注于其行动和激情的人物，来建立观众不存在的虚构）和田园式观念（观者身体在绘画内部在场，观者进入绘画，从而也在画前缺席），二者的共同目标都是对绘画与观众的关系进行去剧场化，其悖论性在于：只有建立观者缺席或不存在的虚构，才能确保他实际上置身画前并且沉迷其中。所谓专注性（反剧场性）就是通过将人物置于高强度的专注性中，来刻意忘却观众的存在，以克服剧场性（对被看的意识）。弗雷德的绘画-观者关系还可以进一步延伸为对象-主体的关系，它强调了“对观看行为进行去剧场化”这一要求，从而造就一种新型对象和新型主体（他确信自己缺席于所再现的场景）。
从难到易的阅读
更好奇专注性和去观众化悖论的前因与后果
狄德罗时代里绘画与观众的悖论关系——新型对象（高度专注、完全实现的场景画）和新型观者（确信自己缺席的终极虚构）——就是专注性和剧场性的缠绕。弗雷德从夏尔丹、格勒兹到大卫的历史梳理一方面补充了反洛可可的新论据；另一方面解答了体裁等级制和历史画至上这对原则复活的内在动力。在这之后，观者身体被重新置入绘画内部，一切正朝着现代主义驶去
弗雷德自己的观点我没怎么读懂，但是译者译后记展示的清晰与功底倒是令人佩服。
对专注性（反剧场性）的强调，意味着绘画的空间与观众的空间相隔绝。弗雷德认为，绘画艺术性的实现正体现在这一悖论中：只有通过否定观者的在场才能达到吸引观众的要求，只有建立观者的缺席，才能确保他实际上沉迷其中。弗雷德将克服剧场性（克服被看的意识）视为法国艺术发展的动力，并试图勾勒一条不同与格林伯格媒介说的现代主义起源角度：从夏尔丹到现代主义之父马奈，是艺术由“掩饰被观看”转为“承认观者在场”的过程。